O Coming of Age Feminino: Uma análise de Red - Crescer é uma Fera

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Alana Yara Simões Santos
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe

Programa: Graduação em Publicidade e Propaganda
Orientador(a): Danielle Parfentieff de Noronha
Ano: 2026

País: Brasil

Resumo

Diante de um cenário marcado pela construção gradual da protagonização masculina nos âmbitos audiovisuais, observa-se que a jornada narrativa no que se refere ao desenvolvimento de personagem é retratada em primeiro plano, corroborando no reducionismo e na secundarização de protagonistas femininas das mesmas obras. Entende-se, dessa forma, que o surgimento de produções cinematográficas, compostas, sobretudo, por novas cineastas, voltadas ao processo de amadurecimento feminino e suas experiências enquanto seres socioculturais podem ser interpretadas como respostas diretas à escassez e à superficialidade conteudista, adotada durante décadas, em que a mulher é inserida. A partir da exploração do gênero cinematográfico coming of age e das epistemes que moldam as representações das experiências juvenis femininas no cinema contemporâneo, este trabalho propõe investigar como as protagonistas são retratadas no processo de transição da infância para a adolescência e juventude nos filmes atuais, utilizando a obra Red - Crescer é uma Fera (2022) como parâmetro de análise fílmica.

Abstract

In a context marked by the gradual construction of male protagonism within the audiovisual sphere, it is observed that narrative journeys concerning character development are predominantly portrayed in the foreground, contributing to the reduction and marginalization of female protagonists within the same works. Thus, the emergence of cinematic productions, largely created by new female filmmakers, focused on female coming-of-age processes and their experiences as sociocultural subjects can be interpreted as direct responses to the long-standing scarcity and superficiality of content through which women have historically been represented. By exploring the coming of age film genre and the epistemes that shape representations of young female experiences in contemporary cinema, this study aims to investigate how female protagonists are portrayed during the transition from childhood to adolescence and young adulthood in recent films, using Turning Red (2022) as the primary reference for film analysis.

Palavras-chave: Publicidade e propaganda, Red - Crescer é uma Fera, Coming of age, Amadurecimento feminino, Representação feminina, Cinema, Juventudes e adolescências, TCC.

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Ciborgue, Estética e Identidade: Uma análise intersemiótica entre o filme Akira (1988) e o mangá Akira (1982-1990)

Dissertação de Mestrado

Nome: Yasmin Lima Resende
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe
Programa: Mestrado Interdisciplinar em Cinema e Narrativas Sociais
Orientador(a): Jean Paul D’Antony Costa Silva
Ano: 2025
País: Brasil

Resumo
O presente estudo, apresentará uma análise temática acerca da representação da figura do ciborgue, enquanto metáfora pós-humanista, analisando as concepções de identidade e subjetividade nas narrativas cinematográficas e literárias a partir das obras Akira (1988), filme, e da obra Akira (1982-1990), em mangá, do escritor, diretor e roteirista Katsuhiro Otomo, examinando os fundamentos teóricos do pós-humanismo e da figura do ciborgue como recursos críticos eficazes para repensar as noções de identidade e subjetividade nas narrativas literárias e cinematográficas, assim apresentando como a literatura e o cinema representa sujeitos híbridos ou tecnologicamente mediados, com base nas teorias pós-humanistas, em uma sociedade que mescla os avanços da tecnologia a muitos os aspectos da vida humana, também evidenciando o humano como um ser híbrido, o ciborgue. Os objetos de estudo desta pesquisa são todos os volumes da obra literária em mangá Akira (1982-1990), de Katsuhiro Otomo, e sua adaptação cinematográfica Akira (1988) também dirigida pelo autor. Além da análise temática, também será realizada, através de uma perspectiva intersemiótica, o estudo sobre a tradução entre os dois sistemas semióticos presentes nos objetos de estudo, o cinematográfico e o literário, a fim de observar como ocorre a adaptação entre esses diferentes sistemas semióticos. Alguns exemplos de teóricos que embasam esse estudo são Donna Haraway (2009), João Jerónimo Machadinha Maia, na temática pós-humanista e teorias do ciborgue; Claude Dubar (2009) e Norbert Elias (1994) sobre identidade; Gérard Betton (1987), Serguei Eisenstein (2002), Julio Cabrera (2006), Terry Eagleton (2006), Antoine Compagnon (1999), nas teorias cinematográficas e literárias; Brian Mcfarlane (1996) e Roland Barthes (1972) como apanhado teórico para tradução intersemiótica.

Abstract
This study will present a thematic analysis of the representation of the cyborg figure as a posthumanist metaphor, analyzing the concepts of identity and subjectivity in cinematic and literary narratives based on the film Akira (1988) and the manga series Akira (1982-1990) by writer, director, and screenwriter Katsuhiro Otomo. It will examine the theoretical foundations of posthumanism and the figure of the cyborg as effective critical resources for rethinking notions of identity and subjectivity in literary and cinematic narratives, thus presenting how literature and cinema represent hybrid or technologically mediated subjects, based on post-humanist theories, in a society that blends technological advances with many aspects of human life, also highlighting humans as hybrid beings, cyborgs. The objects of study in this research are all volumes of the literary manga work Akira (1982-1990) by Katsuhiro Otomo and its film adaptation Akira (1988), also directed by the author. In addition to thematic analysis, a study will also be conducted from an intersemiotic perspective on the translation between the two semiotic systems present in the objects of study, the cinematographic and the literary, in order to observe how adaptation occurs between these different semiotic systems. Some examples of theorists who support this study are Donna Haraway (2009), João Jerónimo Machadinha Maia, on the post-humanist theme and cyborg theories; Claude Dubar (2009) and Norbert Elias (1994) on identity; Gérard Betton (1987), Serguei Eisenstein (2002), Julio Cabrera (2006), Terry Eagleton (2006), Antoine Compagnon (1999), on cinematographic and literary theories; Brian Mcfarlane (1996) and Roland Barthes (1972) as a theoretical framework for intersemiotic translation.

Palavras-chave: Cinema – Semiose, Cinema e literatura, Ciborgues, Adaptações para o cinema, Identidade no cinema (Psicologia), Cinema, Literatura, Pós-Humanismo, Identidade, Intersemiose, Adaptação, Dissertação.

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A Imagem-Cristal e os Cristais de Tempo em O Menino e a Garça : Uma análise do tempo no cinema à luz das teorias de Gilles Deleuze

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Bárbara André de Almeida Falcão
Instituição: UFPE - Universidade Federal da Paraíba

Programa: Curso de Cinema e Audiovisual
Orientador(a): Flávia Affonso Mayer
Ano: 2024

País: Brasil

Resumo

Este trabalho tem como objetivo explorar as teorias de Gilles Deleuze acerca da Imagem-Tempo, com ênfase nos conceitos de Imagem-Cristal e Cristais de Tempo, aplicando-os ao cinema de animação. A partir da obra “O Menino e a Garça” (2023), dirigido por Hayao Miyazaki do Studio Ghibli, realiza-se uma análise detalhada da representação e manipulação do tempo no filme, abordando como suas camadas narrativas e visuais se conectam à teoria deleuziana. A partir disso, foi realizada uma análise dos diferentes estados do cristal - cristal perfeito, cristal rachado, cristal alveolar (princípio germinativo) e cristal em decomposição - aplicados à animação “O Menino e a Garça”. Como resultado, foi possível compreender de maneira mais profunda, o funcionamento e as diferentes formas de manipulação do tempo no cinema .

Abstract

This thesis aims to explore Gilles Deleuze's Time-Image theories, emphasizing on the concepts of Crystal-Image and the Crystals of Time, applying them to animated cinema. Based on the work “The Boy and the Heron” (2023), directed by Hayao Miyazaki from Studio Ghibli, a detailed analysis of the representation and manipulation of time is conducted, addressing how its narrative and visual layers connect to Deleuze's theory. From this, an analysis of the different states of the crystal - perfect crystal, cracked/flawed crystal, crystal of seeds and decaying crystal - applying them to the animated film “The Boy and the Heron”. Thus, the main objective is to gain a deeper and better understanding of the functioning and different ways to manipulate time in contemporary filmmaking.

Palavras-chave: Cinema, Cinema de animação, Gilles Deleuze, Hayao Miyazaki, Tempo no cinema, Imagem-Tempo, TCC.

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A Transformação do Figurino em Encantada (2007): Um estudo sobre a personagem Giselle e a Moda

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Letícia Gabryelle dos Santos de Vasconcelos
Instituição: UFPE - Universidade Federal de Pernambuco

Programa: Curso de Bacharelado em Design
Orientador(a): Amilcar Almeida Bezerra
Ano: 2025

País: Brasil

Resumo

Este artigo analisa a evolução dos figurinos da personagem Giselle no filme Encantada (2007), compreendendo o figurino como elemento narrativo e linguagem visual na construção da personagem. A pesquisa investiga como as transformações do vestuário acompanham o processo de adaptação da protagonista, que vem do universo dos contos de fadas, no mundo real, articulando cinema e moda. Como metodologia, adota-se uma abordagem que combina análise semiótica, análise fílmica e análise de imagem de moda, aplicada a cenas selecionadas do longa. A análise identifica referências a diferentes períodos da história da moda — como a Era Vitoriana, a Belle Époque, a moda dos anos 1950 e dos anos 2000 — evidenciando que cada figurino simboliza etapas do amadurecimento da personagem.

Palavras-chave: Análise de Figurino, Cinema, Moda, TCC.

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O Futuro do Presente: A mídia audiovisual e a sociedade contemporânea na ficção científica do cinema de animação

Dissertação de Mestrado

Nome: Theresa Chistina Barbosa de Medeiros
Instituição: UFRN - Universidade Federal do Rio Grande do Norte
Programa: Programa de Pós-Graduação em Estudos de Mídia
Orientador: Josimey Costa da Silva
Ano: 2011
País: Brasil

Resumo
Essa pesquisa apresenta um estudo que objetiva analisar as imagens do futuro em obras de ficção científica do cinema de animação explorando a temática específica da representação das mídias de comunicação audiovisuais em seu diálogo com as sociedades retratadas nos filmes escolhidos para análise. A discussão proposta busca aproximações para responder à pergunta que deu início a esta pesquisa: como, nos dias de hoje, estamos pensando o futuro? Pretende também, pautada nas discussões propostas por Morin (1997), compreender aspectos da sociedade contemporânea com a ajuda do cinema e, ao mesmo tempo, compreender o cinema, auxiliada por uma análise social

Palavras-chave: Ficção científica, Cinema, Filmes de ficção científica, Comunicação de massa e cultura

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Contos de Fadas e Cinema de Animação: O processo de pré-produção do curta infantil "O Roubo da Gaita Dourada pelo Malvado Carcará”

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Juliana Neves Sales
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe

Programa: Curso de Cinema e Audiovisual
Orientador: Jean Fábio Borba Cerqueira e Gustavo de Melo França
Ano: 2025

País: Brasil

Resumo

O presente trabalho procura investigar, através de uma pesquisa bibliográfica, as relações entre os contos de fadas, a literatura infantil, e o cinema infantil, na intenção de, assim, proporcionar uma base para a pré-produção de um curta-metragem de animação em recorte intitulado "O Roubo da Gaita Dourada pelo Malvado Carcará”, que será, então, apresentada na forma de um memorial descritivo. Em primeira instância, serão abordados os aspectos teóricos utilizados para fundamentar a pesquisa, passando pela relação entre a literatura infantil e a construção da infância moderna, o uso dos contos de fadas e da literatura infantil como ferramenta pedagógica e a sua influência no cinema infantil, a associação comum entre animação e conteúdo para crianças, e, além disso, a chegada dos contos de fadas ao cinema e as diferentes formas de se representar essas histórias. Em seguida, serão descritos os aspectos técnicos da fase de préprodução do curta, incluindo a construção do roteiro e o desenvolvimento visual. A narrativa em questão, construída a partir de um modelo proposto pelo folclorista Vladimir Propp, segue diversas convenções presentes em contos de fadas, e retrata a jornada de uma menina, que acompanhada de seu gato, viaja por uma ilha mágica, com o objetivo de reaver sua gaita, que foi roubada por um carcará. Lá, eles encontrarão diversos personagens, incluindo um ratinho covarde, que os ajudará em sua busca.

Palavras-chave: Cinema, Ensino superior (UFS), Contos de fadas, Cinema infantil, Animação, Literatura infantil

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Entre os Atos de Kira e o Fascismo na Animação Death Note: Representação de um mundo distópico

Dissertação de Mestrado

Nome: Marcelo Martins Passos
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe
Programa: Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Cinema
Orientador: Jean Paul D’ Antony Costa Silva
Ano: 2024
País: Brasil

Resumo
A pesquisa objetiva analisar os conceitos de distopia e fascismo através das ações do personagem Kira na série animada Death Note, uma adaptação do mangá homônimo de Tsugumi Ohba, produzida pelo estúdio MadHouse sob a direção de Tetsurō Araki entre 2006 e 2007. Esta série combina os gêneros drama, suspense, mistério e policial. Death Note narra a história de um jovem que, após encontrar um caderno capaz de matar qualquer pessoa cujo nome nele seja escrito, decide utilizar essa ferramenta para exterminar criminosos e criar um mundo, em sua visão, melhor. A partir disso os personagens mergulham em um caos social profundo. A partir da compreensão dessas ações à luz dos conceitos de fascismo e distopia, a pesquisa realizará análise fílmica dos recortes de cenas utilizando teorias cinematográficas, como ângulos de câmera, enquadramentos, a projeção-identificação de Edgar Morin (1970) a abordagem do cinema sobre temas como violência por Luís Nogueira (2002), técnicas cinematográficas e uso das cores, além dos conceitos filosóficos e sociológicos sobre a ideologia fascista conforme apontado por Robert O. Paxton (2007) e Hannah Arendt (1979; 1985; 1999), e sua relação com o conceito de distopia discutido por Gregory Claeys (2017), Karl Mannheim (1976) e Emil Cioran (2011), tais conceitos irão dialogar com os aspectos técnicos e narrativos expostos pelas cenas escolhidas. A normalização da violência, o autoritarismo, a política de morte e a religiosidade também serão abordados. Assim, pensemos: como o autoritarismo, a política de morte, religiosidade entre outros temas são abordados pela animação? A instrumentalização do Death Note, como ferramenta de justiça por Kira, aponta para um futuro distópico? Em alguma medida, a linguagem animada corrobora com o processo de identificação e reflexão do público com essas temáticas? Essa investigação ocorre sobre os 37 episódios do corpus da pesquisa e conclui-se que existe uma possibilidade real de futuro distópico ao passo que Kira subjuga toda a população do Japão com seu governo autoritário e política de extermínio. A linguagem em animação parece possibilitar a difusão de tais temáticas discutidas ao decorrer da pesquisa para um público mais amplo, auxiliando a reflexão critica e estudo sobre fascismo e distopia.

Palavras-chave: Cinema, Fascismo, Distopia, Animação

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A Estética da Crueldade e a Violência: Desdobramentos no animê Shingeki no Kyojin (2013)

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Joseane Domingos de Jesus
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe

Programa: Curso de Letras - Português
Orientador: Jean Paul D’Antony Costa Silva
Ano: 2022

País: Brasil

Resumo

O presente estudo objetivo investigar a violência e estética da crueldade presente no anime Shingeki No Kyojin (2013). O problema de pesquisa consiste em analisar como as temáticas citadas previamente se expressam com visibilidade nos personagens cinematográficos e nos conflitos políticos. Nesse sentido, o texto busca explorar o tecido da crueldade no cinema e na televisão através do animê. A metodologia da pesquisa é comparativa, utilizando dos conceitos do cinema e da estética da crueldade para difundir a análise desta pesquisa. Para a ocorrência eficaz de tal, foram reunidos estudiosos da área para fundamentar a pesquisa de melhor forma, sendo alguns deles: Antonin Artaud (2006), Clément Rosset (1989), Hannah Arendt (2004) e Maura Regina Modena (2016) para elucidar conceitos sobre estética da crueldade e violência.No segundo momento, visa-se com Edgar Morin (1970) e Fagner Torres de França (2012) a compreensão do tecido da crueldade no corpo do cinema. Desse modo, a pesquisa direcionouse de forma linear, pois primeiro ressaltou os conceitos sobre os temas supracitados e manteve a análise no terceiro capítulo, mediando um estudo junto ao teórico Michel Foucault, através das obras Vigiar e punir: nascimento da prisão (1987).

Palavras-chave: Cinema, Estética, Violência, Cinema, Estética da crueldade, Animê, Violência

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Estilo e Autoria na Era de Renascimento da Disney: (1989-1999)

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Karoline Pandolfo
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe

Programa: Curso de Cinema e Audiovisual
Orientador: Greice Schneider
Ano: 2023

País: Brasil

Resumo

A Era de Renascimento da Disney compreende o período de 1989 a 1999, quando a Walt Disney Animation tem um êxito retorno ao estilo formal de sua “era de ouro”. Os dez filmes que integram o período são unidos por aspectos mercadológicos, estilísticos e autorais, relativos à consistência da equipe responsável por criar e desenvolver as características que guiam todas as obras. Diante disso, o presente trabalho se propõe a buscar os profissionais que compõem esse grupo e entender suas contribuições, tanto para a época, quanto para a materialidade dos filmes. Para isso, relacionamos as proposições de autoria na animação de Wells (2002) e a teoria da arte como ação coletiva de Becker (1977), a fim de compreender a coletividade dos trabalhos - circunstância frequentemente mencionada nos livros, documentários e vídeos de making ofs que são fonte para esta pesquisa. Ademais, os entendimentos de Bordwell (2008, 2013) sobre estilo, devem nos guiar na compreensão da materialização das autorias exercidas.

Palavras-chave: Cinema, Ensino superior (UFS), Animação, Disney, Audiovisual

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Luz, Câmera, Emoção: Um encontro com “Tito e os pássaros”

Dissertação de Mestrado

Nome: João Victor Torres da Silva
Instituição: UFS - Universidade Federal de Sergipe
Programa: Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Cinema
Orientador: Marcos Ribeiro de Melo
Ano: 2023
País: Brasil

Resumo
Por entre ângulos, sequências e cenas, esta pesquisa acompanha a história do menino Tito, protagonista da animação brasileira “Tito e os pássaros” (2019), que junto com os seus dois melhores amigos, Sara e Buiu, vivem uma jornada de aventura para descobrir a cura para uma estranha epidemia que transforma todos que sentem medo em pedra. As personagens vivem em uma sociedade, que assim como a nossa, vive uma atmosfera caótica, de instabilidades e adoecimento. Nesse sentido, o estudo se pauta em como a narrativa fílmica, sob o olhar do menino Tito, ajuda-nos a pensar sobre o uso das imagens e das emoções como forma de controle social? Para a produção de dados, o estudo se inspirou na etnografia de tela, postura metodológica que inquieta nossos olhares amansados, construindo desaprendizagens sobre aquilo que tomamos como “natural”, localizando outras possibilidades de posicionamento, adentrando outros espaços, outras reflexões, forjando outras formas de olhar a nossa volta; fugindo das imagens-clichês, palavras de ordem e de uma super-obediência.

Palavras-chave: Cinema, Infância, Emoções, Medo na arte, Obediência, Tito e os pássaros, Imagem

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Documentário Animado: A animação como forma de reconstrução da realidade (dos processos que a técnica acrescenta ao gênero)

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Maíra Soares Miquilini

Instituição: UFMG - Universidade Federal de Minas Gerais - Escola de Belas Artes

Programa: Cinema de Animação e Artes Digitais

Orientador: Leonardo Alvares Vidigal

Ano: 2021

País: Brasil

Resumo

O  presente  trabalho  se  propõe  a  estudar  e  analisar  três  documentários  animados  brasileiros, abordando os processos para sua realização. Os filmes abordados e aos quais o texto se  dedica  a  discutir  sãoDossiê  Rê  Bordosa(2008)  de  Cesar  Cabral,  O  Divino,  De  Repente(2009) de Fábio Yamaji e Guaxuma(2018) de Nara Normande. Os três curtas-metragens são bem diferentes entre si, permitindo ter um panorama diverso do que os encontros entre gênero documentário  e  a  técnica  animação  podem  alcançar  em  produções  brasileiras.  Além  dos  resultados obtidos através desta junção, o trabalho também busca entender como ela altera os processos de produção de cada um dos filmes. A metodologia utilizada foi buscar entender os objetos deste estudo fazendo entrevistas com os autores dos filmes, assistindo os making-of dos filmes e lendo outras entrevistas com os autores e trabalhos já publicados, tanto sobre o tema quanto sobre os filmes escolhidos.

Palavras-chave: Animação, Artes, Cinema, Documentário, Documentário Animado, TCC.

Abstract

The  present  work  concerns  the  animated  documentary,  studying  and  analyzing  three  Brazilian films that belong to this universe by approaching the production process of the chosen films. The movies studied in this work are Dossiê Rê Bordosa(2008) directed by Cesar Cabral, O Divino, De Repente (2009) directed by Fábio Yamaji e Guaxuma(2018) directed by Nara Normande.  They  are  very  different  from  each  other,  providing  a  diverse  view  from  the  encounter   between   the   documentary   genre   and   the   animation   technique   in   Brazilian   productions. Further than the results and effects achieved by this juncture, this work seeks to glance  over  the  production  process  in  each  film.  Regarding  the  methodology  it  was  used  as  object of study for this text the interviews conducted with the authors of the films, making-of the films, previous interviews, works and studies about the theme and the chosen movies. 

Keywords: Arts, Film, Documentary, Animation, Animated Documentary.

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A Jornada das Heroínas no Cinema de Animação: Mitos, fantasia e símbolos em Alice no País das Maravilhas e a Viagem de Chihiro

Dissertação de Mestrado

Nome:Alexia Eloar Félix Cavalcante
Instituição: UFPB - Universidade Federal da Paraíba
Programa: Programa de Pós-Graduação em Letras
Orientador(a): Luiz Antonio Mousinho Magalhães
Co-orientador(a): Allana Dilene de Araújo Miranda
Ano: 2021
País: Brasil

Resumo
Alice no País das Maravilhas (1951) atrai grande público, de crianças a adultos, há mais de um século, com diversas refilmagens e adaptações em mídias de diferentes formatos. Mas foi nos Estados Unidos, nos anos de 1950, que a Walt Disney conseguiu adaptar em seu estúdio a obra do inglês Lewis Carroll para uma animação audiovisual de longa-metragem. Indo até o Japão, famoso pelos animês e mangás, temos o Studio Ghibli, um dos principais nomes das animações orientais. Entre tantas obras produzidas, tendo em boa parte mulheres como protagonistas, Hayao Miyazaki, um dos fundadores do estúdio, nos apresenta Chihiro, em A viagem de Chihiro (2001). Nesta pesquisa, é sob os olhares das meninas Alice e Chihiro, a partir da teoria da focalização (GENETTE, 2017; STAM, 1992), que acompanharemos as suas partidas, de estruturas semelhantes em um momento de autodescoberta com a transição entre a infância e a vida adulta, para a jornada da heroína. Junto a esses objetos pretendemos entender a arte da animação, com apoio de Fossati (2011) e Graça (2006), como uma delegação de vozes, devendo atentar para que histórias estão sendo contadas, por quem estão sendo contadas e também como são produzidas, disseminadas e recebidas pelo público (SHOHAT; STAM, 2006). Com isso, este trabalho busca demonstrar quais elementos de estereótipos se mantêm e quais são quebrados a partir da análise do arquétipo da jornada do herói, de Joseph Campbell (1989), comparado à jornada da heroína, de Maureen Murdock (2013). Esses modelos serão usados para percebermos como o olhar afetivo de Alice e Chihiro tem valor significativo, em suas animações fílmicas, trazendo questões específicas do gênero feminino em suas jornadas de autoconhecimento a partir dos mitos e símbolos, apoiando-se nos estudos de Bachelard (1978, 1996, 1998), J. Brandão (1987), Chevalier e Gheerbrant (1986, 1982, 2015), Eliade (1979, 1996), Kato (2012) e Mendlesohn (2008), tanto no Ocidente quanto no Oriente.

Abstract
Alice in Wonderland (1951) has attracted a large audience, from children to adults, for over a century, with many remakes and adaptations produced in different media. But it was in the USA, in the 50s, that Walt Disney was able to adapt in his studio the work of the Englishman Lewis Carroll into animated feature film. In Japan, famous for its anime and manga, there is Studio Ghibli, one of the major names in oriental animation. Among the many works that were produced, with the majority of it having a female protagonist, Hayao Miyazaki, one of the studio’s founders, gave us Chihiro, in Spirited Away (2001). In this research, we look through the eyes of Alice and Chihiro, using the theory of focalisation (GENETTE, 2017; STAM, 1992), that we follow their departure from similar structures in a moment of self-discovery with the transition between childhood and adult life to the heroine’s journey. Along with these objects we intend to understand the art of animation, with support from Fossati (2011) and Graça (2006), as a delegation of voices, paying attention to what stories are being told, by whom they are being told and how they were produced, disseminated and received by the public (SHOHAT, STAM, 2006). This work seeks to show which stereotype elements remain and which are broken up based on the analysis of the archetype of the hero’s journey, by Joseph Campbell (1989), compared to the heroine’s journey, by Maureen Murdock (2013). These models will be used to realize how the emotional gaze of Alice and Chihiro has significant value in their filmic animations, bringing specific issues of the female gender in their journeys of self-knowledge based on myths and symbols, based on the studies of Bachelard (1978, 1996, 1998), J. Brandão (1987), Chevalier and Gheerbrant (1986, 1982, 2015), Eliade (1979, 1996), Kato (2012) and Mendlesohn (2008), both in the West and in the East.

Palavras-chave: Jornada da heroína, Cinema, Animação, Alice, Chihiro, Heroine’s journey, Animation, Dissertação.

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A Fotografia no Cinema de Animação

           

Relatório de Pesquisa

Nome: Elisabel Pantoja dos Santos

Instituição: Universidade do Estado do Amazonas / UFAM - Instituto de Ciências Humanas e Letras

Programa:  Programa PIBIC 2012

Orientadora: Kasmin Biscaro Alves Carnevali

Ano: 2013

País: Brasil

Resumo

O projeto busca contemplar a produção em cinema de animação com ênfase na fotografia. Pesquisar a animação experimental e seu desenvolvimento do início da história do cinema, passando pelas vanguardas modernistas até sua produção contemporânea visando produções de arte, pode apresentar um caminho para a compreensão não só da arte da animação experimental em si, mas também da visualidade da imagem em geral. Agora mesmo, o cinema vive uma grande transformação na forma de produzir, distribuir e assistir filmes, as possibilidades digitais e a internet estão mudando nossa forma de ver a imagem que se transformou em potencialidade múltipla, incorporando meios artesanais, eletrônicos e digitais.

Palavras-chave:  Fotografia, Cinema, Cinema de Animação, Relatório de Pesquisa.

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Alma de Papel: Proposta conceitual para um curta-metragem de animação stop motion em devir

        

Dissertação de Mestrado

Nome: Brena Gomes Ribeiro 

Instituição: Universidade do Estado do Pará - Instituto de Ciências da Arte

Programa:  Programa de Pós-Graduação em Artes

Orientadora:  Ivone Maria Xavier de Amorim Almeida 

Ano: 2017

País: Brasil

Resumo

Nesta pesquisa, apresento um estudo sobre o processo de criação de uma proposta conceitual para a produção de curta-metragem de animação em stop motion, chamado Alma de Papel. As várias etapas do estudo incluem a vivência proporcionada pelo Laboratório de Animação das Oficinas Curro Velho, onde entrei em contato com as técnicas e materiais utilizados. Também há um histórico do Cinema de Animação, com a contribuição de conceitos proporcionados por autores cujas análises aproximam-se da esfera simbólica da história do cinema, como Arlindo Ribeiro Machado para quem o cinema materializa um movimento milenar de “representação do imaginário”, e Edgar Morin que expõe a realidade semi-imaginária do homem. A metodologia da pesquisa dialoga com a face “noturna” do filósofo francês Gaston Bachelard, ou seja, sua “metafísica da imaginação poética” e sua sistemática de investigação da gênese da imagem poética a partir dos arquétipos dos 4 (quatro) elementos da natureza (ar, água, terra e ar), ao qual acrescento mais um (elemento éter), além de incluir a influência do dispositivo Dilatador Elemental, criado na disciplina Movimento Criador no Ato Teórico e os valores atribuídos por Ítalo Calvino à poesia para a sistematização do estudo. Sônia Rangel e Cecília de Almeida Salles aparecem na investigação sobre o processo de criação e sua relação com a realidade vivida pelo autor. Para conduzir o presente trabalho, admito, como objetivo precípuo, demonstrar a ligação entre o modus operandi da criação da proposta conceitual de um filme, ou seja, os procedimentos metodológicos utilizados em sua feitura, e a sua faceta consequente do contexto histórico-social vivenciado e experienciado por seu (s) criador (es), contexto esse em plena influência amalgamada ao devir do imaginário destes.

Palavras-chave:  Cinema, Animação, Curro Velho, Processo de Criação, Dissertação.

Abstract

In this research, I present a study about the process of creating a conceptual proposal for the production of a short stop motion animation, called Alma de Papel. The various stages of this study include the experience provided by the Curro Velho Workshops, where I got in touch with the techniques and materials used in the proposal. There is also a short description about the history of Animation Cinema, with the contribution of concepts provided by authors whose analyzes approach the symbolic sphere of the history of cinema, as Arlindo Ribeiro Machado for whom the cinema materializes a millenarian movement of "representation of the imaginary", and Edgar Morin that exposes the semi-imaginary reality of man. The research methodology dialogues with the "nocturnal" face of the French philosopher Gaston Bachelard, that is, his "metaphysics of the poetic imagination" and his systematic investigation of the genesis of the poetic image based on the archetypes of the four elements of nature (air, water, earth and air), to which I add one more element (ether), besides including the influence of the Dilatador Elemental device created in the subject Movimento Criador no Ato Teórico, and the values attributed by Italo Calvino to poetry, for the systematization of this study. Sônia Rangel and Cecília de Almeida Salles appear in the investigation to talk about the creation process and its relation with the reality lived by the author. To carry out the present work, I admit, as a primary objective, to demonstrate the connection between the modus operandi of creating the conceptual proposal of a film, that is, the methodological procedures used in its making, and its consequent historical-social context experienced by its creator (s), a context that is fully amalgamated with the becoming of their imaginary.

Keywords: Cinema, Animation, Curro Velho, Creation Process.

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Entre o Último Suspiro de Lampião, Devaneios da Estiagem e o Conto do Pé de Feijão: A poética nordestina na animação brasileira

Dissertação de Mestrado

Nome: Diego Gomes Brandão
Instituição: UFPB - Universidade Federal da Paraíba
Programa: Mestrado em Artes Visuais
Orientador(a): João de Lima Gomes
Ano: 2011
País: Brasil

Resumo
Este trabalho pretende analisar comparativamente alguns aspectos de Mise-en-scène de três animações nacionais contemporâneas realizadas com o foco na temática nordestina: Até o sol raiá (Dir.: Fernando Jorge e Leanndro Amorim, 2007), Josué e o Pé de macaxeira (Dir.: Diogo Viegas, 2009) e Three Little Birds (Dir.: Lula Buarque e Fábio Soares, 2003). (Mediante a massificação da cultura euro-americana através de suas animações disseminadas pela indústria cultural, temos incorporado padrões técnicos e estilísticos saturados por meio de técnicas de produção, design de personagens, gags e montagem cinematográfica. Os curtas-metragens analisados neste trabalho apresentam a personagem do fora da lei e do trabalhador rural, característicos do cinema nacional contemporâneo, conhecidos como a figura do cangaceiro e do sertanejo folclórico, e toda uma poética expressa através da representação de costumes, crenças e manifestações artístico-culturais explorados na visualidade de elementos cenográficos e do figurino. Buscaremos compreender quais significações são desdobradas por estes desenhos animados que, de certa forma, não apenas incorporam os paradigmas da animação globalizada, mas principalmente, os retemperam no contexto social regional, evidenciando nossos problemas políticos e sociais, valores, emoções, expressão artística e poética.

Abstract
This paper aims at analyzying comparatively some aspects of the Mise-en-scène in three contemporaneous national animations focused on the Northesstern theme: "Até o Sol Raiá" (Dir.: Fernando Jorge e Leanndro Amorim, 2007), "Josué e o pé de macaxeira" (Dir.: Diogo Viegas, 2009) and "Three little birds" (Dir.: Lula Buarque e Fábio Soares, 2003). Through the Mass media distribution of Euro-American culture animations disseminated through its cultural industry, we have incorporated technical And stylistic standards saturated By means of production techniques, character design, gags and film editing. The short movies analyzed in this paper show the character of the outlaw and rural workers, Featured in of the contemporary film industry, known as the figure of the Cangaceiro and Countryside folklore, and a Whole poetics expressed through the representation of habits customs, beliefs and artistic-cultural manifestations explored in the visual elements of scenography and costumes. Through an analysis of its formal elements and narrative resources, we seek to understand what meanings are deployed by these animations that somehow not only incorporate into Its creative process the hegemonic paradigms of global animation, but mainly the "season" the social regional context, highlighting our political and social problems, values, emotions, artistic expression and poetic.

Palavras-chave: Animação brasileira, Arte, Cenário nordestino, Cinema, Design, Brazilian animation, Art, Northeastern scene, Movie, Design, Dissertação.

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Branca de Neve Multimídia: A personagem na literatura, no cinema e nos quadrinhos

Dissertação de Mestrado

Nome: Allana Dilene de Araújo de Miranda
Instituição: UFPB - Universidade Federal da Paraíba
Programa: Mestrado em Literatura e Cultura
Orientador(a): Luis Antonio Mousinho Magalhães
Ano: 2011
País: Brasil

Resumo
Objetivando estudar a categoria personagem e sua manifestação em três diferentes mídias, este trabalho analisa Branca de Neve e sua construção na literatura, no cinema, e nas histórias em quadrinhos. O corpus utilizado foi o conto Branca de Neve e os sete anões, assinado pelos irmãos Wilhelm e Jacob Grimm; a animação de 1937, produzida pelos estúdios Disney, homônima; e o primeiro volume da minissérie As mil e uma noites, derivada da revista mensal Fábulas, de Bill Willingham. Nos três primeiros capítulos, o trabalho tece considerações a respeito de cada obra individualmente, levando em conta especificidades da linguagem de cada texto, bem como apontando as diferenças entre eles. Para tanto, parte das categorias focalização, conforme definida por Gerrard Genéte (s.d.), e mise-en-scène, como abordada por Bordwell e Thompson (1997). No quarto capítulo, faz uma comparação direta da personagem nas três versões, analisando-a como adaptação, conforme orientado por Linda Hutcheon (2006), e utiliza, como principal critério de análise, a representação feminina, levando em conta contextos de produção, conforme apontado por Marina Warner (1999).

Abstract
Aiming to study the character category and its manifestation on three different media, the following work analyzes the Snow White character and its representation in literature, films and comic books. The corpus used in this paper were: the short story Snow White and the seven dwarfs, by Wilhelm and Jacob Grimm; the homonym 1937 animated movie produced by Walt Disney Studios; and the first volume of the miniseries One thousand and one nights of snowfall, a spin-off of the monthly issue Fables, by Bill Willingham. In the first three chapters, this paper presents considerations regarding each individual work, taking into account the specifics of their respective languages, also pointing out the differences between them. For that purpose, we use both the focalization (as defined by Gerrard Genéte) and mise en scène (as per Bordwell and Thompson, 1997) categories. The forth chapter is a direct comparison among the character in its three different versions, analyzing it as adaptation (Linda Hutcheon, 2006) and using as the major analysis criteria the female representation, taking into account production contexts, as appointed by Marina Warner (1999).

Palavras-chave: Branca de Neve, Cinema, Literatura, Histórias em quadrinhos, Adaptação, Snow White, Literature, Cinema, Comics, Adaptation, Dissertação.

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Construção do Pós-morte a Partir das Cores: Uma análise do filme A Noiva Cadáver, de Tim Burton

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Suyane Lima Pereira
Instituição: UFC - Universidade Federal do Ceará

Programa: Curso de Graduação em Comunicação Social/Jornalismo
Orientador(a): Georgia da Cruz Pereira
Ano: 2021

País: Brasil

Resumo

Este trabalho analisa como as cores influenciam as narrativas cinematográficas do gênero animação. Iniciamos pelo surgimento dos desenhos até a sua animação utilizando diferentes suportes e depois popularização através do cinema. Apresentamos a introdução das cores nas obras da Sétima Arte que vão da descrença em passar uma imagem real até sua exploração para transparecer informações sobre as personagens. Seguimos com a apresentação da teoria das cores e seus significados a partir de estudos psicológicos e artísticos realizados por Eva Heller (2013), Abreu e Andrade (2016), Braga e Costa (2020) e Silva (2017). A partir de uma contextualização dos rituais fúnebres e concepções do pós-morte no Ocidente, procedemos uma análise dA Noiva Cadáver (2005) usando os métodos desenvolvidos por Aumont e Marie (2004) e Vanoye e Goliot-Lété (1994). Dessa forma, o longa-metragem passou pelo processo de decupagem e depois as cenas foram selecionadas de acordo com a sua relevância para a análise das cores.

Palavras-chave: Animação, Cinema, Cores, A Noiva Cadáver, Tim Burton, TCC

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Ele que Caiu do Céu: Memorial da produção de storyboard para curta-metragem de terror em animação

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Giulia Nunes Coutinho Estrela
Instituição: UFBA - Universidade Federal da Bahia

Programa: Curso Jornalismo
Orientador(a): Adil Giovanni Lepri
Ano: 2025

País: Brasil

Resumo

“Ele que Caiu do Céu” é o projeto de pré-produção de curta-metragem de terror em animação 2D sobre o sórdido romance entre um tanatopraxista e o que ele acredita ser um anjo caído. Este curta surge de uma inquietação sobre questões de gênero do autor, assim como de sua paixão por monstros e o que há de horripilante. O presente memorial apresenta um entendimento teórico e histórico da arte do storyboard, sua importância cinematográfica tanto na animação quanto no live-action, acompanhado do processo de pré-produção de um curta animado. O memorial visa um maior entendimento e apreciação da arte da animação, assim como um incentivo ao estudo e desenvolvimento do mesmo no cenário audiovisual baiano.

Palavras-chave: Storyboard, Animação, Curta-metragem, Roteiro, Terror, Cinema, Queer, Trans, TCC

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Yuri nas Telas: Uma análise histórica da representação sáfica nos animes do século XX

Trabalho de Conclusão de Curso

Nome: Júlia Santiago Bezerra
Instituição: UFPE - Universidade Federal de Pernambuco

Programa: Graduação em Cinema e Audiovisual
Orientador(a): Thiago Soares
Ano: 2024

País: Brasil

Resumo

Esta pesquisa visa analisar, interculturalmente, como acontece a representação de mulheres homoafetivas no cinema de animação japonês do século XX. Através da Metodologia de Constelação Fílmica, quatro obras, de 1979 a 1997, foram curadas em dois grupos, que contemplam: As precursoras - Narrativas de romance, melodrama e tragédia – A Rosa de Versalhes (1979) e Oniisama e (1991) – e As garotas mágicas - Narrativas de poder – Sailor Moon (1992-1997) e Shoujo Kakumei Utena (1997) –. Portanto, de forma crítica e interdisciplinar, adentrando em temáticas e contextualizações que envolvem desde cinema à história e sociologia, a monografia tem como objetivo principal entender como vivências sáficas são espelhadas nos animes do século XX, de fora para dentro.

Palavras-chave: Cultura Japonesa, Audiovisual, Cinema, Animação, Animes, Homoafetividade, LGBTQ+, Mulheres, Feminismo, Análise fílmica, TCC

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O Tributo ao Bom Vizinho: A obra de Walt Disney no Brasil durante a política de boa vizinhança

Dissertação de Mestrado

Nome: Marla Barbosa Costa
Instituição: UFBA - Universidade Federal da Bahia
Programa: Programa de Pós-graduação em Relações Internacionais
Orientador: Marcos Guedes Vaz Sampaio
Ano: 2019
País: Brasil

Resumo
O presente trabalho busca analisar a participação das obras de Walt Disney nas relações entre Estados Unidos e América Latina, com especial destaque para o Brasil, durante a Política de Boa Vizinhança do governo Franklin Delano Roosevelt entre os anos de 1933 e 1945. O intuito do trabalho é avaliar, utilizando os conceitos de ideologia e cultura, de que forma o cinema de Walt Disney direcionado à América Latina contribuiu para a construção de um imaginário social latino-americano e brasileiro que acolheu uma visão de mundo e um estilo de vida norteamericanos. Durante a Política da Boa Vizinhança, as relações entre os Estados Unidos e os países da América do Sul e Central foram transformadas, avançando de um momento inicial caracterizado pela imposição econômica e ocupações militares estadunidenses na região, para outro centrado em acordos econômicos e intercâmbios culturais, dentre os quais, incluíam-se o envio de obras cinematográficas norte-americanas e recepção de artistas latino-americanos por parte dos Estados Unidos. Essa política teve como objetivo melhorar as relações estadunidenses com a América Latina, bem como manter afastadas possíveis influências europeias, sobretudo da Alemanha em função da ascensão do nazismo. O cinema foi uma das estratégias utilizadas visando à construção de uma relação mais sólida, por meio da disseminação de seu estilo de vida e sua concepção de organização social e econômica, de natureza capitalista, em um contexto de ameaças à ordem internacional construída pelas democracias ocidentais, com a ascensão socialista na URSS e do nazifascismo em algumas nações europeias. Neste cenário, a obra de Walt Disney contribui com sua ludicidade para diluir resistências e estabelecer uma aproximação cultural e identitária, ajudando a fortalecer os laços entre os Estados Unidos e a América Latina e o Brasil.

Palavras-chave: Americanização, Ideologia, Cinema, Disney, Brasil e Estados Unidos, Relações internacionais

Abstract
The present work seeks to analyze the participation of Walt Disney works in the relations between the United States and Latin America, with special emphasis on Brazil, during the Good Neighborliness Policy of the Franklin Delano Roosevelt government between 1933 and 1945. This work is to evaluate, using the concepts of ideology and culture, how Walt Disney's cinema directed to Latin America contributed to the construction of a Latin American and Brazilian social imaginary that embraced a North- American's vision of the world. During the Good Neighborliness’s Policy, relations between the United States and the countries of South and Central America were transformed, advancing from an initial moment characterized by economic imposition and US military occupations in the region, to another centered on economic agreements and cultural exchanges, among which included the sending of North American cinematographic works and reception of Latin American artists by the United States. This policy aimed at improving US relations with Latin America, as well as possible keeping far away European influences, especially from Germany because of the rise of Nazism. Cinema was one of the strategies used to build a more solid relationship through the dissemination of its life style and its conception of capitalist social and economic organization in a context of threats to the international order built by Western democracies, with the socialist rise in the USSR and Nazi-fascism in some European nations. In this scenario, the work of Walt Disney contributes with its playfulness to dilute resistances and establish a cultural and identity approach, helping to strengthen the ties between the United States and Latin America and Brazil.

Keywords:

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